http://www.youtube.com/watch?v=3-4J5j74VPw

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido al finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.

PRESENTA A:

Claude Debussy y Maurice Ravel

El impresionismo musical fue encabezado por el compositor francés Claude Debussy. Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción tanto al interés formal del clasicismo de algunos compositores. Para la consecución de este fin Debussy combinó elementos innovadores y tradicionales. Por una parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que hasta ese momento no se habían utilizado, desde la novena en adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y quinta paralelas propios de la música medieval. Estos recursos técnicos aparecen en el temprano poema sinfónico Preludio a la siesta de un fauno (en el original: Prélude à l'après-midi d'un faune) de 1894, basado en un poema de Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy requirió nuevas técnicas interpretativas, que incluían un generoso pero sensible uso de los pedales para crear un torrente indiferenciado de sonido.

La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel.

CLAUDE DEBUSSY

 Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 - París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés.

Fue su tía quien le condujo hasta su primer profesor, un italiano apellidado Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su padre, Charles de Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame Mauté de Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de acceso al Conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que se incorporó el 22 de octubre de 1872.

Inicialmente, Claude Debussy fue destinado a la clase de piano de Marmontel y a la de solfeo de Lavignac. Contra lo que habitualmente se supone y a pesar de los informes de sus propios profesores, el rendimiento académico de Debussy le proporcionó una tercera medalla en solfeo en 1874, la segunda en 1875 y la primera medalla al año siguiente. Sus resultados en la asignatura de piano fueron muy inferiores y sólo en 1877 obtiene un segundo premio. Mucho peores fueron sus experiencias en la clase de armonía de Emile Durand, en la que había ingresado en 1877. Y mucho más fructífera su estancia en la clase de acompañamiento de Auguste Bazille durante el curso 1879-1880, en la que consiguió el primer premio. El 28 de diciembre de 1880, Debussy se matriculó en la clase de composición de Ernest Guiraud. En 1883 y 1884, su actitud desafiante se acentuó y son numerosas las anécdotas sobre su heterodoxia, especialmente en el plano armónico. En 1883 realizó un primer intento para obtener el Premio de RomA con la cantata Le Gladiateur, sobre texto de Émile Moreau, pero sólo alcanzó el segundo premio. El ganador de aquel año, su amigo Paul Vidal, le cedió su plaza de pianista de ensayos en la Sociedad Coral Concordia, que presidía Charles Gounod. El 27 de junio del siguiente año, la cantata L'enfant prodige, sobre texto de Edouard Guinand, le proporcionó el primer premio: la pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis.

INFLUENCIAS Y MÚSICA

La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala tonal completa, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional.

Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música. Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas. Entre otras obras importantes destacan:

1888 - Arabesque nº1 -
1893 - Cuarteto de cuerda,
1894 - preludio a la siesta de un fauno
1905 - El mar
1905 - Suite Bergamasque - Clair de lune

CLAIR DE LUNE - CLAUDE DEBUSSY

 http://www.youtube.com/watch?v=N3iORDe7Mxw

 ARABESQUE N°1 - CLAUDE DEBUSSY

http://www.youtube.com/watch?v=GWpV7L4YHuU

SENTIMIENTOS, RAZONES Y EL PORQUE DE ESCOGER A DEBUSSY...

"sólo a Debussy podemos situarlo junto a Anton Webern en una misma tendencia a destruir la organización formal preexistente en la obra, en un mismo recurrir a la belleza del sonido por sí mismo, en una misma pulverización elíptica del lenguaje".

Para Boulez, el verdadero precursor de la música contemporánea es Claude Debussy, sin su obra no se entendería no sólo a Ravel, sino tampoco la de Edgar Varèse u Olivier Messiaen. Fue Debussy quien, al romper con la forma clásico-romántica de su tiempo, descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, oscilante, abierto a otras posibilidades. Un lenguaje que, aunque tenía su origen en Wagner, establecía una alternativa diferente al modelo propuesto por éste en todos los parámetros que rigen la composición musical.

 A pesar de ello, no hay que ver en Claude Debussy un artista iconoclasta que reacciona contra el legado del pasado: la tradición, sobre todo la del barroco francés, reviste una trascendental importancia en su música, particularmente en sus últimas composiciones, tales como las tres sonatas de cámara. Esta dualidad otorga al legado debussiano su perenne actualidad.

MAURICE RAVEL

Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 - París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX.

 Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón».

 Junto a Debussy, con quien se le suele relacionar habitualmente, es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo, aunque no muy extenso, incluye una serie de obras hasta cierto punto poco conocidas que hablan de un autor complejo, casi misterioso, que evitaba cualquier tipo de confesión en su música. Un autor que concebía su arte como un precioso artificio, un recinto mágico y ficticio alejado de la realidad y las preocupaciones cotidianas. Stravinski lo definió con acierto como «el más perfecto relojero de todos los compositores», y así hay que ver su música: como la obra de un artesano obsesionado por la perfección formal y técnica de su creación.

Nacido en el País Vasco francés, heredó de su padre, ingeniero suizo, su afición por los artilugios mecánicos -cuyos ecos no son difíciles de encontrar en su música- y de su madre, de origen vasco, su atracción por España, fuente de inspiración de muchas de sus páginas. Aunque inició sus estudios musicales a una edad relativamente tardía, cuando contaba siete años, siete más tarde, en 1889, fue admitido en el Conservatorio de París, donde recibió las enseñanzas, entre otros, de Gabriel Fauré.

Discreto pianista, su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la célebre Pavana para una infanta difunta, si bien en ellos es todavía perceptible la huella de su maestro Fauré y de músicos como Chabrier y Satie. La audición del Prélude à l'après-midi d'un faune, de Debussy, marcó sus composiciones inmediatamente posteriores, como el ciclo de poemas Schéhérazade, aunque pronto se apartó de influencias ajenas y encontró su propia vía de expresión.

En 1901 se presentó al Gran Premio de Roma, cuya obtención era garantía de la consagración oficial del ganador. Logró el segundo premio con una cantata titulada Myrrha, escrita en un estilo que buscaba adaptarse a los gustos conservadores del jurado y que para nada se correspondía con el que Ravel exploraba en obras como la pianística Jeux d'eau, en la que arrancaba del registro agudo del piano nuevas sonoridades. Participó otras tres veces, en 1902, 1903 y 1905, sin conseguir nunca el preciado galardón. La última de ellas, en la que fue eliminado en las pruebas previas, provocó un escándalo en la prensa que incluso le costó el cargo al director del Conservatorio.

sus principales obras son:

1899 - pavana para una infanta difunta
1903 - Cuarteto de cuerda  
1905 - Miroirs
1908 - Gaspar la Nuit
1908 - Rapsodia española - preludio a la noche
1912 - Dafnis y Cloe 
1912 - Mi madre la oca - el jardín encantado
1913 - Tres Poemas de Mallarmé
1917 - La tumba de Couperin
1927 - Sonata para violín y piano
1928 - BOLERO
1931 - Concierto para piano en sol
         -   La valse

EL BOLERO DE MAURICE RAVEL

Ida Rubinstein (1885-1960), bailarina y rica mecenas rusa, inspiradora del Boléro y quien estrenó la obra el 22 de noviembre de 1928.
Retrato de Valentín Serov.

 Ravel comenzó a trabajar en la que se convertiría en su obra más famosa e interpretada. La célebre bailarina y coreógrafa Ida Rubinstein le había encargado en 1927 un «ballet de carácter español» para el cual el músico adoptó una antigua danza andaluza: el bolero. La obra, que apuesta por durar alrededor de un cuarto de hora con sólo dos temas y una cantinela incansablemente repetida, fue estrenada el 22 de noviembre de 1928 frente a un público un tanto asombrado. Su difusión fue inmediatamente inmensa. Ravel había firmado una auténtica obra maestra a partir de un material casi insignificante, pero él mismo rápidamente quedó exasperado por el éxito de esta partitura que consideraba sobre todo como una experiencia, y «llena de música». Cuando una dama gritó: «Au fou, au fou!» (¡Al loco, al loco!) después de haber oído la obra, el compositor confió a su hermano: «Celle-là, elle a compris!» (He ahí, ella lo ha comprendido.)

 http://www.youtube.com/watch?v=3-4J5j74VPw

PAVANA PARA UNA INFANTA DIFUNTA

http://www.youtube.com/watch?v=wWE8mJZXLVA

DAFNIS Y CLOE

http://www.youtube.com/watch?v=Fm6zNYZoHJs

SENTIMIENTOS, RAZONES Y EL PORQUE DE ESCOGER A RAVEL... 

La música de Ravel, artificial como los paraísos de Baudelaire, puede mostrar un lado secreto, una vertiente confidencial en clave que parece querer decir todo cuanto el autor calló en vida. No hay golpes de efecto sentimentales, ni melodramatismo, pero uno siempre imagina historias secretas subyaciendo al "Trío para violín, violonchelo y piano", los "Valses nobles y sentimentales" o el movimiento lento del "Concierto en sol", cuya melodía quizá sea una de las más grandes jamás compuestas.

COLOMBIA

ETNOGRAFIA

El grupo étnico más numeroso de Colombia es el mestizo, que conforma el 58% del total de la población. El segundo grupo es el de los blancos con 20%, seguido por el afrocolombiano que con el 10,6%^[ representa la tercera población negra más grande de América, después de los Estados Unidos y Brasil. Los indígenas conforman el 3,4% de la población nacional y los gitanos el 0,001%.

Las proporciones de los diferentes grupos étnicos indígenas varían notoriamente según la región. En la región del Caribe colombiano se encuentran los grupos étnicos kogi, sanha, wayúu, kankuama, chimilas e ikas o arhuacos. En la región del Pacífico colombiano se encuentran los grupos kuna, embera, waunama y kwaiker. En la región amazónica se encuentran los tikunas, huitotos, coconucos, andokes, muinanes, salibas, yakunas, cubeos, curripacos y tucanos. En la región andina se encuentran los yukos, baríes, u'was, guambianos, paeces, sibundoy y muiscas. A su vez, en la región de la Orinoquía se encuentran los tunebos, tiniguas, guayaberos, achaguas, piapocos, sálibas, guahibos, piaroas, betoyes, yaruros y puinaves.

La diversidad étnica en Colombia es el resultado de la mezcla de amerindios, colonos españoles y afrodescendientes.Entre los inmigrantes, los grupos mayores son los provenientes del mundo árabe,España, Italia, Alemania, Costa Rica y China, así como judíos y gitanos. A fines del siglo XIX, Barranquilla recibió gran cantidad de inmigrantes europeos (alemanes, franceses, italianos), árabes del Medio Oriente (Líbano y Siria), estadounidenses, japoneses, cubanos y chinos, entre otros, que se dispersaron por toda la geografía nacional. En Maicao, Guajira, se encuentra la comunidad árabe y musulmana más numerosa de Colombia; descendientes de los inmigrantes árabes también tienen fuerte presencia en el departamento de Córdoba, en Barranquilla, en Valledupar, en Bogotá y en el Valle del Cauca. Inmigrantes de otros países latinoamericanos como Brasil, Venezuela, Chile, Ecuador, Argentina, Perú y las Antillas, entre otros, también tienen presencia, aunque mínima en Colombia

 LITERATURA COLOMBIANA

El Costumbrismo

El mayor interes del Costumbrismo era retratar la sociedad colonial por medio de sus costumbres. Los costumbristas se ocuparon de señalar los rasgos generales de una cultura, de un pueblo o a través de uno o varios de los personajes de sus relatos. En muchos casos, se asumió una postura crítica frente a la sociedad o el gobierno de turno. También en otros casos, se pretendía entrener o mostrar el colorido y la gracia de una sociedad. Además de ser unas de las más grandes figuras, en lo que tiene que ver en ser una dama de compañía esta con las más superficiales mujeres en el mundo, ya que en esa época, se vieron demasiados cambios en la personalidad de aquellas personas pero aquellos creen que pueden descubrir pero es que la verdad esto no tiene nada que ver con el tema.

Una de las novelas costumbristas más importantes es María de Jorge Isaacs.

Los Nuevos

Los nuevos o los novísimos es un movimiento que contesta con la ironía, los vestigios del romanticismo y del costumbrismo precedente y que abriría las puertas al nuevo siglo, sobre todo en la década de los 20. El movimiento tiene por fundador al poeta antioqueño León de Greiff. Las características de este movimiento son: la negación del pasado, el amor por lo feo, la oscuridad, el romanticismo escondido, y el misterio, entre otras.

Piedra y Cielo

El siglo XX avanzaba en occidente al paso veloz de la industrialización, la literatura en Colombia como en Latinoamérica bien pronto se enriqueció con el surgir de movimientos que abrirían el abanico de las letras. De la década de los novísimos, se crea el célebre grupo de Piedra y cielo (1939) con personajes como Eduardo Carranza a la cabeza.

El Nadaísmo

El Nadaísmo, fundado en los años 50 por Gonzalo Arango, fue un movimiento nacido de una época convulsa bajo la sombra de la dictadura militar de Gustavo Rojas Pinilla. Su nombre recuerda absolutamente el nihilismo y el Dadaismo y entre sus precursores están José María Vargas Vila y Fernando González.

La Generación del Boom

Todo ese caminar literario en Colombia, así como en todo el mundo hispanoamericano, llevaría entonces a lo que hoy se conoce como el Boom Latinoamericano en la cual Colombia tendría una parte bien importante con el Premio Nóbel de Literatura de 1982 Gabriel García Márquez, el escritor colombiano más reconocido en el mundo entero (sus obras han sido traducidas a numerosos idiomas). Hace parte del llamado realismo mágico y del movimiento de la literatura latinoamericana.

Por el mismo tiempo aparece una figura difícil de ubicar en la historia de la literatura colombiana, Andrés Caicedo. Caicedo no sólo estaba distanciado geográficamente del boom, sino que sus obsesiones eran más cercanas a la cultura relacionada con el cine y el rock n' roll, retratando problemáticas sociales urbanas y juveniles.

Generación Desencantada

En realidad esta generación agrupa una franja amplia y ambigua de escritores, poetas posteriores al Nadaísmo que comenzaron a publicar hacia la década del 70. Poetas como Harold Alvarado Tenorio, Juan Gustavo Cobo Borda, Elkin Restrepo, José Manuel Arango, Juan Manuel Roca entre muchos otros, han sido clasificados en ella, aunque son más las diferencias de estilo, temática e incluso de ideología las que los separan.

 ARTE EN COLOMBIA

La pintura y escultura colombianas se dividen en periodos que comienzan con las culturas indígenas, y que se acercan a los modos de pensar de los pueblos originarios de América y a su forma de concebir el mundo, lo sagrado, la naturaleza y la sociedad.

El periodo colonial muestra la fusión cultural indígena colombiana, el aporte africano y el arte europeo religioso de la época.

Las artes plásticas colombianas del siglo XIX no se independizaron de las concepciones estéticas coloniales por completo, aunque a finales de esa centuria aparecen los primeros intentos academicistas. En 1886 se abrió la Escuela Nacional de Bellas Artes, entidad que formó a la mayoría de los artistas de comienzos del siglo XX.

El siglo XX recibe tardíamente la pintura y la escultura contemporánea en Colombia.

El evento más importante en Colombia sobre arte colombiano es el Salón Nacional de Artistas Colombianos

Entre los principales pintores colombianos sobresalen el impresionista Andrés de Santa María; los retratistas Ricardo Acevedo Bernal y Ricardo Gómez Campuzano; los figurativistas Darío Morales, David Manzur y Diego Mazuera; el paisajista Gonzalo Ariza; la expresionista Débora Arango; y el muralista Ignacio Gómez Jaramillo. En la escultura se destacan Rodrigo Arenas Betancourt y Nadín Ospina. Sin embargo son numerosos los artistas colombianos que han desarrollado su obra tanto en la pintura como en la escultura. Tal es el caso de Fernando Botero, famoso por sus personajes monumentales, Enrique Grau, Francisco Antonio Cano, Luis Alberto Acuña Tapias, Luis Caballero, Santiago Martínez Delgado, Juan Antonio Roda, Beatriz González, Ómar Rayo, Eduardo Ramírez Villamizar, y el colombo-español Alejandro Obregón entre otros que han alcanzado reconocimiento internacional. También artistas polifacéticos como Pedro Nel Gómez han extendido su obra al campo de la arquitectura.

PERÚ

El Perú es una nación multiétnica formada por la combinación de diferentes grupos a lo largo de cinco siglos, donde destaca una mayoría indomestiza. Las poblaciones indígenes habitaron el territorio peruano por varios milenios antes de la conquista por los españoles en el siglo XVI; principalmente debido a enfermedades infecciosas su población disminuyó de un estimado de 9 millones en la década de 1520 a alrededor de 600.000 en 1620. Durante el virreinato, españoles y africanos llegaron en gran número, mezclándose ampliamente entre ellos y con la población nativa. Después de la independecia, ha habido una gradual inmigración europea desde Inglaterra, Francia, Alemania, Italia y España. Los chinos llegaron en la década de 1850 como reemplazo de los trabajadores esclavos y desde entonces han pasado a ser una importante influencia en la sociedad peruana. Otros grupos inmigrantes incluyen árabes y japoneses.

LITERATURA

La literatura peruana tiene su primer vestigio en el taki, término quechua que engloba literatura, danza y música. En los tiempos del virreinato, la literatura fue, básicamente, imitación de la literatura española de la época. Destaca en primer lugar, el Inca Garcilaso de la Vega con sus Comentarios Reales de los Incas. Más tarde, destacaron Juan de Espinosa Medrano en la literatura quechua y Caviedes, el mismo Espinosa y Peralta en la castellana. También e esta época aparece la obra dramática anónima Ollantay.

A partir de la época republicana son varios los exponentes de la narrativa peruana como Felipe Pardo y Aliaga, Manuel Ascencio Segura, pero el mayor literato del siglo XIX fue Ricardo Palma con sus célebres Tradiciones Peruanas. Resalta en el siglo XX la figura del poeta César Vallejo junto a muchos otros vanguardistas como Martín Adán. En la narrativa, Ciro Alegría y José María Arguedas por el indigenismo; y Julio Ramón Ribeyro, Alfredo Bryce Echenique y Mario Vargas Llosa, por la narrativa urbana.

La literatura de este país, así como todas las manifestaciones culturales y artísticas, han pasado por varias etapas, en las cuales fue influenciada por movimientos o corrientes nacionales e internacionales. Los acontecimientos trascendentales de la historia, sirvieron de inspiración a los artistas que plasmaron en su obra el sentir de la época. Se distinguen varios movimientos, de acuerdo con cada época, sus ideas y filosofía.

MUSICA TIPICA

MARINERA NORTEÑA

La marinera es un baile de pareja suelto, el más conocido de la costa del Perú. Proveniente de la Region de Lambayeque. Es un baile muestra del mestizaje hispano-amerindio-africano, entre otros.

Su origen se remontaría a un baile colonial llamado zamacueca, que era muy popular en el siglo XIX. De todos modos, existen diversas teorías o corrientes sobre su origen y evolución.

ARTE PERUANO

El arte andino no se expresó en las formas en que lo hizo el arte europeo. Así, el arte andino más que expresarse en la Pintura y la Escultura, tuvo sus canales de creación en la Cerámica, la Litoescultura, la Metalurgia y la Texilería. Ello se debe a que el arte en las sociedades andinas prehispánicas no tuvo como origen el simple placer estético, o el "arte por el arte", sino respondió a razones políticas y religiosas. Así, sus muestras son valiosas fuentes sobre la estructura social, política, económica y sobre todo, ideológica de las sociedades que lo crearon.

Cerámica

 Huaco retrato Mochica, fino ejemplo de la cerámica prehispánica peruana museo larco, Lima-Perú

La cerámica es el material más frecuente en el registro arqueológico andino y fue el medio preferido de los artesanos prehispánicos por su versatilidad, ya que mediante su confección se satisfacían tanto necesidades domésticas como rituales.Los estilos más reconocidos de cerámica prehispánica se asocian a culturas andinas y entre ellas encontramos: Paracas, Nasca, Moche, Wari, Tiahuanaco, Chimú e Inca.

Litoescultura

La litoescultura (o escultura en piedra), tuvo presencia en las manifestaciones culturales y artísticas en las Chavín de Huántar, ubicado en el Callejón de Conchucos (Huari, Ancash). Este templo fue el primer centro de devoción a nivel panandino, sostenido por un Estado eminentemente teocrático. Por tal motivo, la presencia de la imaginería religiosa fue vital en su organización. El templo tiene dos fases: Templo Nuevo y Templo Viejo.

Textiles

Los textiles precolombinos fueron elaborados con técnicas muy creativas y sofisticadas, tanto por la finura de sus hilos, sus colores, la trama y urdimbre de sus tejidos, y los motivos en ellos representados. En su mayoría, estos textiles recrean el mundo natural prehispánico y sobre todo su universo mental, y nos aproximan a sus riquezas naturales e ideológico-culturales, así como al uso que le dieron las sociedades que lo crearon.

ARGENTINA

La otredad literaria en Argentina

La literatura ofrece la posibilidad de ver la realidad de un país desde los ojos del otro, que ajeno al ideal nacional no tendrá reparo en señalar sus defectos, sostuvo Cecilia López Badano, investigadora de la Universidad Autónoma de Querétaro, durante su participación en el Primer Congreso de Investigaciones Literarias.

En alusión a su trabajo Parodiar el canon -deconstruir los arquetipos de nación: Roberto Bolaño y El gaucho insufrible-, dijo que un país no puede vivir de los mitos de la tradición recogidos por escritores célebres, pues hacerlo significaría vivir "literariamente". En esa obra, el chileno parodia textos de Jorge Luis Borges, como el "El evangelio según Marcos" y "El sur".

"Lo que funciona como utopía estética es poder criticar el ser nacional a través de la literatura; cuando no lo puedes criticar abiertamente y no te puedes agarrar con los estancieros (propietarios de las tierras), peléate con los autores que canonizaron el campo."

Bolaño habla de gauchos jugando monopoly -juego de mesa de bienes raíces- y lanza preguntas como ¿caballos, dónde están, vacas, dónde están?, porque estos animales, en el ideario argentino, son la esencia del campo.

"Escribir esta lección desde fuera de la tradición local resulta una advertencia clarividente, la de quien puede mirar defectos con ojo extranjero. El hombre de ciudad que cree en la tradición, que trata de materializar mitos filoagrarios creyendo que son la verdad, en el intento de llevarlos a la práctica deja de ser gaucho para ser gaucho insufrible."

López Badano destacó que la crítica que Bolaño ejerce en dicho relato, que da título a su libro de cuentos publicado en 2003, no ha perdido vigencia pues desde hace unos meses la postura del gobierno de Cristina Fernández de Kirchner respecto del campo, es motivo de polémica en Argentina.

"Nos estamos sacando la cabeza por el campo, es lo que salvó al país, dicen algunas posturas. Eso está ontologizado, el ser nacional está en el campo, aunque nadie va ahí ni sabe lo que pasa realmente."

Leer es un crimen

La obra del argentino Ricardo Piglia apuesta por ver a la literatura como un espacio para reflexionar acerca de la configuración del yo, donde la ficción es el lugar propicio para la sospecha y apropiación de lo ajeno, sostuvo Elba Margarita Sánchez Rolón, académica de la Universidad de Guanajuato.

"Su actitud crítica puede ser vista como una forma de ligar la vida con la literatura a partir de la construcción de un tono autobiográfico fundado en la apropiación, en la intervención y en la falsificación de cualquier referente posible."

Para el autor, dijo, la lectura tiene un efecto perturbador y delictivo: leer es un crimen porque conlleva reconstruir. Tomando como punto de partida el libro Nombre falso, publicado en 1975, Sánchez Rolón analizó los modos de subjetivación en la literatura de Piglia pues los relatos que contiene concentran la mayoría de las características que permearon sus obras posteriores.

Destacó que él considera al relato policiaco una metáfora de la literatura en general: conlleva sospechar, saber que hay un crimen, investigar y seguir todo un trayecto para resolverlo. "Su obra es también una vía para reafirmar la autonomía literaria mediante la falsificación: la carencia de propiedad fija de la escritura y el imperativo de su intervención, el uso que cada lector o crítico hace de una obra, a pesar del crimen o escándalo que conlleve."

Así, como a Piglia, la literatura nos da la oportunidad de robarnos vivencias de otros y tratar de llenar los huecos de nuestra vida con invenciones

El Gaucho Argentino

Es probable que el vocablo quichua huachu (huérfano, vagabundo) haya sido transformado por los colonizadores españoles utilizándose para llamar gauchos a los vagabundos y guachos a los huérfanos.
También existe la hipótesis de que los criollos y mestizos comenzaron a pronunciar así (gaucho) la palabra chaucho, introducida por los españoles como una forma modificada del vocablo chaouch, que en árabe significa arreador de animales.

La denominación se aplicó generalmente al elemento criollo (hijos de españoles) o mestizo (hijos de españoles con indígenas), aunque sin sentido racial sino étnico ya que también fueron gauchos los hijos de los inmigrantes europeos, los negros y los mulatos que aceptaron su clase de vida.

El ambiente del gaucho fue la llanura que se extiende desde la Patagonia hasta los confines orientales de Argentina, llegando hasta el Estado de Rio Grande del Sur, en Brasil (gaúcho).

El proceso evolutivo del gaucho y el uso de esa palabra se desarrolló sin solución de continuidad. Distintos tipos de gaucho existieron en Argentina antes de 1810, es decir antes de ser conocidos con ese nombre. Peones de campo existieron desde que comenzaron a formarse las primeras estancias, aunque hayan sido pocas al principio. El tercer tipo - que luego se llamó gaucho alzado - existió en reducido número. Pero no fueron los primitivos peones ni los "fuera de la ley" quienes le dieron la característica suficientemente fuerte para llamar la atención.

Es indudable que el tipo de gaucho que tuvo realmente fisonomía peculiar - el primero que fue llamado así - fue el gaucho nómada, no delincuente, que estuvo implícito en el gauderío oriental del s. XVIII. Este gaucho fue algo más que un simple vagabundo. Adquirió en la Argentina, a lo largo del s. XIX rasgos propios bien definidos. Y cuando se difundió suficientemente - es decir, a medida que fue creciendo la población rural - fue llamado gaucho, como también se había llamado al paisano oriental del s. XVIII.

Hábiles jinetes y criadores de ganado, se caracterizaron por su destreza física, su altivez, su carácter reservado y melancólico.

Casi todas las faenas eran realizadas a caballo, animal que constituyó su mejor compañero y toda su riqueza. El lanzamiento del lazo, la doma y el rodeo de hacienda, las travesías, eran realizados por estos jinetes, que hacían del caballo su mejor instrumento; en el caballo criollo no sólo cumplía las faenas cotidianas sino que con él participó en las luchas por la independencia, inmortalizando su nombre con las centauras legiones de Güemes.

Fue el hombre de nuestro campo, principal escenario de su vida legendaria y real. De vida solitaria ya en grupos de tiendas, como las tribus nómades ya en racheríos aislados como en la pampa sureña.

 La música: el tango

• Su origen está ligado a la llegada de inmigrantes de origen europeo a mediados del siglo XIX y la mezcla de culturas que se vivía en el puerto bonaerense en esa época.  El tango es la combinación de influencias de 
  • la música de origen africano de donde proviene el ritmo
  • las baladas de los gauchos pamperos
  • las músicas de los inmigrantes europeos de donde vienen los instrumentos como el violín y el bandoneón de origen alemán y que es semejante a un acordeón.
• El tango nació pues a mediados del siglo XIX en los puerto de Buenos Aires y de Montevideo y de allí se extendió hacia los barrios del sur. En un principio el llamado "tango arrabalero" era una música y un baile popular sólo entre las clases más humildes.  Era despreciado por las clases altas como un baile vulgar y prohibido por la iglesia por ser demasiado sensual y por incitar a los vicios (lujuria y bebida).

• A principios del siglo XX llegó a París donde consiguió un éxito rotundo; desde allí se popularizó en todo el mundo.  A Holywood llegó de la mano de Rodolfo Valentino.

COSTUMBRES ARGENTINAS

MATE

Esta comenzó siendo una costumbre campestre, pero con el tiempo, se fue "aquerenciando" en la ciudad; hoy en día es muy difícil encontrar un sitio en el territorio nacional donde no se junte la gente a hacer pasear el "mate". 
El recipiente del mate es un envase, generalmente de calabaza o de madera, de forma cilíndrica con una base más amplia. Para beber se utiliza una bombilla (elemento hueco y alargado, por lo general de metal con un pequeño filtro en la punta que va dentro del mate), que es parecida a un "sorbete".
La hierba que va en el mate es, justamente, la Yerba Mate, la cual, según los expertos, no debe tener ni mucho "palo" ni tan poco (pucha los expertos....). Se agrega agua caliente y se bebe. Al mate sin azúcar se le llama el "amargo". En la zona del litoral se lo toma frío y se lo conoce como "Tereré".
En los valles calchaquíes se le agrega alcohol (96 poderosísimos grados) y algún yuyo como la "Muña-Muña" o "Peperina" y se llama "Yerbiao", en La Ciénega (Tafí del Valle, al oeste de Tucumán) se realiza la fiesta provincial del Yerbiao, y allí se bebe esta "juerte" bebida.

MEXICO

 PINTURA

Daniel Lezama tiene la experiencia de la otredad como punto de partida. No es una meta, es algo de lo que se parte. A la experiencia de la otredad no se llega sino se viene de ella. Es una combustión lenta, interna, como en el poema "Salamandra" de Octavio Paz, donde el anfibio encarna esa experiencia, pues la salamandra es "una u otro"; geometría abstracta de la experiencia de la otredad. Daniel Lezama pasó su infancia en un lugar de Tejas. México fue desde entonces lo otro. Lo otro que es él. No su parte enemiga, con la cual buscaría conciliarse naturalmente. No su otro yo. Ni alter ego ni subego. Tampoco el uno unitario sino el uno que se reproduce. Así, México es visto e imaginado en sus aspectos diversos y sus rasgos singulares. Esto en pinturas donde el claroscuro nos dirige al mito de la caverna. En obras en las que diversas tradiciones premodernas y postmodernas se amalgaman y sintetizan; con ese naturalismo que escapa a la sentimentalidad embustera de los nacionalismos y señala su diferencia. Lo mexicano, no como una máscara, sino como una desnudez pervertida.
     La expresión virtuosa no carece de espontaneidad. Pues estos cuadros no siguen proceso previo. Ni boceto ni idea. El concepto se revela en la superficie del lino, maestría que concibe sus instrumentos y sus materiales como extensiones del cuerpo, de su imaginación. Daniel Lezama no centra su eficacia en la temática ni en el sustrato discursivo de la voluntad de representación, porque, en todo caso, como el poeta, presenta lo que muestra: el pulso ontológico de una realidad identitaria que fascina, sorprende, exacerba e incita a ser vista, a convertirse en color, forma, volumen, luz, sombra. Las composiciones de Lezama no buscan resaltar la temática sobre lo mexicano, ni generar un relato; su narratividad tiene que ver más con lo dramático, en su sentido etimológico de acción. Porque siempre en sus cuadros algo sucede. El espacio es tiempo que transcurre. La mirada transcurre en ese momento de percepción directa. No son obras en busca de su espectador, sino acciones que atraen la mirada generando una experiencia hecha de referentes diversos.
     Daniel Lezama entiende la pintura en su contexto actual y no padece el vértigo de la plástica frente a lo visual ni viceversa, pues su capacidad de expresión trasciende los falsos lindes del arte contemporáneo. Entre un cuadro y una instalación, entre una fotografía intervenida y la memoria videograbada de un performance, las diferencias son técnicas, no sustanciales. Ninguna es sustitutiva de la otra. Así, despreocupado del falso problema de la muerte de la pintura, Lezama nos participa de una era imaginaria de México, donde tiene lugar una simbiosis de lo antiguo con lo moderno, de lo actual con el pasado inmediato. Pintar, no lo mexicano, sino a los personajes que lo encarnan. Crítica e ironía, parodia y entrecruzamiento de signos presentes en el tiempo presente. Se trata de radicalizar sus medios, sus posibilidades expresivas, hasta el punto de hacer de la pintura una cosa. Una casa que es una imagen en metamorfosis perpetua. Porque, en el acto de pintar, entra en juego la imagen como semejanza, como espacio de confluencia e identidad. La intención de Daniel Lezama en sus pinturas es clara: sus personajes significan, no son símbolos estáticos sino signos en constante metamorfosis. Hay una realidad señalada que los motiva, una fabulación que los recrea: de esa manera queda abolido el discurso de la razón y brota lo irradiante que está en los aspectos menos agradables del espíritu, en su espacio mexicano.
     Cómo entender entonces obras como "La pequeña noche mexicana" o "El manantial", sino como imágenes posibles, potenciadas del mismo modo en que los mitos, locales o globales, están presentes en la diversidad de la vida diaria. Y es en ésta donde se dice con frecuencia que uno "se va a morir en la raya". Lo que en la obra y la experiencia de Daniel Lezama se parodia diciendo: "morir en la imagen"... para renacer en ella.

ESCRITOS Y ESCRITORES :D

OCTAVIO PAZ

Octavio Paz Lozano ( Ciudad de México, 31 de marzo de 1914 - ; 19 de abril de 1998), fue un poeta, escritor, ensayista y diplomático mexicano, premio Nobel de Literatura (1990). Es considerado uno de los más grandes escritores del siglo XX y uno de los grandes poetas hispanos de todos los tiempos.Era un escritor prolífico cuya obra abarcó varios géneros, entre los que sobresalieron textos poéticos, el ensayo y traducciones

otredad en su obra:

Salamandra es un libro de poesía del escritor Octavio Paz, publicado en (1962), es uno de sus textos más surrealistas.

Según Pere Gimferrr: la poesía de Paz encarnaba como pocas aquello que, en el momento presente, podía justificar aún la existencia misma de la poesía como género literario. Hablo de una doble justificación: estética y moral. Hablo, pues, de una razón de ser.

Fragmento

Salamandra
           (negra armadura viste el fuego)
 calorifero de combustión lenta
 entre las fauces de la chimenea
 -o mármol o ladrillo-
 tortuga estática
 o agazapado guerrero japonés.
 Y una u otro
             -el martirio es reposo-
 impasible en la tortura

 La extensión del territorio, sus características culturales y paisajísticas hacen que Brasil reúna suficientes atractivos para interesar a todo tipo de viajeros.

Ritos afro-brasileños como la MACUMBA Y LA UMBANDA se practican en todo el país, la CAPOEIRA, una fantástica combinación de artes marciales y baile originada en Brasil

Quienes se dejan arrastrar por la música y el baile tienen todo un país en permanente estado de fiesta. Los carnavales de Rio y Salvador de Bahia son las celebraciones culminantes, pero los brasileños llevan el ritmo en la piel y cualquier rincón, cualquier esquina es buena para SAMBEAR.

Los aficionados a la etnografía y a las culturas indígenas encontrarán en Brasil algunas de las más primitivas e interesantes del planeta, con las que podrán entrar en contacto especialmente en la zona de la cuenca amazónica con costumbres y lengua propia que subsisten en el interior de la selva.

MACUMBA Y UMBANDA

Umbanda es el nombre de una religión Afro-Brasileña que mezcla enseñanzas del Spiritismo de Alan Kardec, Catolicismo y sectas traídas por los esclavos africanos. La práctica de Umbanda normalmente es dirigida por un hombre o mujer llamado "Pai (o Mãe) de Santo" (padre o madre de santo), o "Chefe de Terreiro" (Jefe de Patio), un medio que podría incorporar los espíritus de personas muertas (las Entidades).

Estos espíritus pueden ser Caboclos (indios), negros esclavos como" Pretos Velhos" (Negros Viejos)," Pai Joaquim"," Pai Arruda"," Tia Joana", etc., médicos, y otras figuras religiosas. Estas incorporaciones ocurren en reuniones llamadas "Sessões" (las Sesiones), en el " Terreiro"," Centro" ou" Tenda" (Patio, Centro o Tienda), una sala grande con un altar dónde los miembros cantan a" Pontos" (los Puntos, cantos para una entidad), bailan o simplemente piden consejos de la entidad.

Si estas reuniones ocurren en calles, bosques, playas, o otros lugares externos, se llaman "Obrigações" (Obligaciones), dónde los miembros ofrecen comida, flores, velas y regalos a las entidades. Los brasileños llaman esta religión de "macumba".

CAPOEIRA

 La capoeira es una expresión cultural afrobrasileña originada en Brasil, que engloba diversas facetas. La más conocida es la faceta de arte marcial o lucha, aunque el resto son igual de importantes: la faceta musical y de expresión corporal, la faceta oral/lingüística y la faceta tradicional. La capoeira es una forma de expresarse.

Desde siempre, la capoeira se practica en rodas, que son por así decirlo "luchas amistosas sin contacto", aunque no siempre ha de ser así. Los practicantes forman un círculo cerrado formado por luchadores y músicos, que llevan el ritmo e intensidad del "juego" (jogo). En el interior del círculo pueden haber hasta 3 luchadores en un momento determinado: dos capoeiristas jugando y otro en espera de sustituir a uno de estos dos anteriores. Durante la roda, los capoeiristas que observan el juego se limitan a cantar y tocar las palmas para dar mayor energía a la misma.

El tamaño mínimo de la roda es un círculo de unos 3 metros de diámetro. Aunque normalmente son mayores, llegando a alcanzar los 10 metros. El ritmo tocado con el berimbau señala la velocidad del jogo en la roda. La música lenta limita el jogo a complejos movimientos de suelo y "paradas de mano".

 http://www.youtube.com/watch?v=dKAlV3fuuMs&feature=related

SAMBA

 Las raíces de la samba se remontan a África, principalmente Angola, donde la danza samba fue su predecesora. El nombre samba probablemente viene de esta centenaria música de estilo ritual. No debe confundirse la samba con la zamba, un estilo musical rioplatense totalmente distinto.

La samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital del Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes africanos del estado brasileño de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba") se originó durante el periodo de formación de este género. A pesar de las semejanzas entre la samba y el jazz, la samba no proviene del jazz y tiene diferencias notables en sus orígenes y línea de desarrollo.

La samba se caracteriza por una sección rítmica que contiene el ritmo principal, usualmente un bombo de surdo o tantan. Otro elemento importante es el cavaquinho (un pequeño instrumento de cuatro cuerdas, pariente de la guitarra y similar al ukelele o el cavaco). El cavaquinho es la conexión entre las secciones armónica y rítmica; su presencia usualmente distingue a la "samba real" de sus variaciones más suaves como la bossa nova (aunque algunas grabaciones de samba no emplean el cavaquinho, incluyendo muchas de Chico Buarque). El pandero es el instrumento de percusión más presente, cuyo ritmo es el más "completo". Un violão (guitarra acústica) normalmente está presente, y su presencia en la samba popularizó la variación de 7 cuerdas. Las letras de samba van desde canciones de amor y fútbol, hasta la política y otros temas. Este subgénero incluye a todos los demás.

 PUEBLOS INDIGENAS

Cuando se observa el mapa de distribución de los pueblos indígenas en el territorio brasileño actual, se puede ver claramente los reflejos del movimiento de expansión político-económica ocurrida históricamente. Los pueblos que habitaban la costa oriental, en la mayoría hablantes de lenguas del tronco tupí-guaraní, fueron diezmados, dominados u obligados a refugiarse en las tierras del interior para evitar el contacto.

Hoy, solamente los Fulniô (de Pernambuco), los Maxakali (de Minas Gerais) y los Xokleng (de Santa Catalina) conservan sus lenguas. Curiosamente, sus lenguas no son tupí, pero pertenecientes a tres familias diferentes ligadas al tronco Macro-Gê.

Los guaraníes, que viven en diversos estados del Sur y Sudeste brasileño y que también conservan su lengua, migraron del Oeste en dirección al litoral en años relativamente recientes. Las demás sociedades indígenas que viven en el Nordeste y Sudeste del país perdieron sus lenguas y sólo hablan portugués, manteniendo únicamente y en algunos casos, palabras aisladas que utilizan en rituales y otras expresiones culturales.

 La mayor parte de las sociedades indígenas que consiguieron preservar sus idiomas vive actualmente en el Norte, Centro-Oeste y Sur de Brasil. En otras regiones, fueron siendo expulsadas a medida que la urbanización avanzaba. Hoy viven cerca de 460 mil indios, distribuidos en 225 sociedades indígenas, siendo cerca del 0,25% de la población total brasileña.

Y COMIENZA ESTE VIAJE, MI RECORRIDO VA A TENER EL SIGUIENTE ORDEN, VISITARE BRASIL, ARGENTINA, MÉXICO, PERÚ Y POR ULTIMO EL PAIS MAS BELLO DEL PLANETA, COLOMBIA... EN ESTE RECORRIDO ESPERO ADEMAS DE VER HERMOSOS PAISAJES Y DISFRUTAR DE COSAS NUEVAS, ESPERO TAMBIEN VER DIVERSAS FACETAS DE LAS CULTURAS QUE NOS RODEAN Y DE ALGUNA MANERA NOS INFLUENCIAN, SOMOS UNOS FRENTE A OTROS....